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Archive for the ‘Per chi comincia…’ Category

Via col tempo…

Qualche tempo fa, conversando con un amico fotografo, si chiacchierava della funzione “ISO automatici” e della sua effettiva capacità di togliere le castagne dal fuoco in certe situazioni.
Ammetto che, tra le numerose funzioni che oggi le nostre reflex ci mettono a disposizione, questa è una di quelle che ho sempre snobbato.

Partiamo dall’inizio – che mi pare un buon metodo! – e vediamo  cosa fa, in pratica, la funzione, Selezionando ISO AUTOMATICI dal menù delle impostazioni generali,  una volta scelti tempo e diaframma, la funzione fa sì che la macchina si  prenda cura di aumentare o diminuire automaticamente gli ISO, se cambia la luminosità della nostra scena.

Bene… e questo lo potevate immaginare da soli, no!? Proviamo a trovare delle applicazioni pratiche ora…

Rapidissimo ripasso prima…
E’ chiaro a tutti che l’esposizione è data dal tiangolo magico

TEMPO DI POSA,
DIAFRAMMA

ISO

Immaginosa di sì…

Vi chiederete, ma a cosa ci può servire correre su e giù per la scala degli ISO?
Ecco… la funzione diventa molto utile soprattutto quando stiamo seguendo un soggetto dinamico il cui movimento non è prevedibile e che quindi può entrare ed uscire da zone con luminosità diverse.
Lasciamo aquile o ghepardi!  Pensate piuttosto a vostro figlio alle prese con una partita di calcio,  magari in una giornata dove il sole illumina il rettangolo di gioco in modo non uniforme, alternando zone d’ombra a zone di luce…
Ecco, in questo caso la funzione ISO AUTOMATICI si fa molto utile.

Ci basterà infatti  impostare la coppia tempo e diaframma in modo da ottenere  un’esposizione corretta, concentrandoci su quello che ci interessa ottenere, se un’azione congelata (tempo rapido) o l’impressione del movimento (tempo lungo) o il soggetto isolato dal resto (diaframma aperto), misurando la luce in quello che giudichiamo potrebbe essere la scena tipica o media.
E poi non dovremo preoccuparci più di correggere l’esposizione ogni volta che cambiamo inquadratura.

Impostando “ISO Automatici”, una volta scelti tempo e diaframma, sarà la macchina a garantirci l’esposizione corretta anche se, cambiando l’inquadratura, cambiasse la luminosità della scena.  Con “ISO Automatici”, la macchina calcolerà la corretta sensibilità del sensore (ISO) in modo da garantirci un’esposizione coerente e costante per la coppia diaframma/tempo che abbiamo precedentemente scelto.

Se punteremo su una scena più scura, la funzione forzerà gli ISO e li aumenterà di conseguenza. Al contrario, se la scena inquadrata sarà più chiara, la funzione diminuirà gli ISO, rendendo il sensore meno sensibile alla luce.

In molti modelli è possibile impostare un valore ISO massimo, in modo che la macchina non voli a parametri troppo spinti, con il rischio di  introdurre troppo disturbo, (rumore).

Come al solito, dovremo fare un po’ di pratica.
Ah, nel caso decidessimo di provare gli ISO Automatici,, poi ricordiamoci poi di disinserirli, altrimenti, la volta dopo, ci sembrerà di impazzire e cominceremo a credere che la nostra reflex sia posseduta.

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Notte di luna piena nel Sahara.
La luce della luna illumina cielo e dune

Sono tornato da qualche settimana da un magnifico photo tour che ho organizzato in Marocco. Una delle tappe più entusiasmanti è senza ombra di dubbio quella che vede il gruppo passare la notte in un campo tendato beduino, tra le dune del deserto del Sahara. Durante la notte, organizzo una sessione di fotografia notturna, anche perché lo spettacolo delle stelle nel deserto è una di quelle esperienze che difficilmente si scordano – anche quando il cielo si copre di nuvole inaspettatamente, come è successo quest’anno.

La fotografia notturna ha una pessima caratteristica intrinseca negativa, quella di amplificare i problemi che si possono sperimentare sul campo, ma ha anche la capacità di regalare grandi emozioni a tutti, anche a coloro che hanno poca esperienza in materia.

Il mio consiglio, per coloro alle prime armi, è quello di dare una bella ripassata al manuale della propria reflex in modo di aver ben chiaro come accedere a certe funzioni della macchina e a come farlo rapidamente anche in condizioni disagiate come un campo di notte o una duna del Sahara.

Attrezzatura minima per fotografare le stelle:

  • una macchina fotografica
  • un obiettivo, meglio se grandangolo
  • batteria nuova (e carica al massimo)
  • card vuota
  • un cavalletto
  • uno scatto remoto, non è necessario che sia a infrarossi e per cominciare, non serve neppure che funga di intervallometro
  • una torcia
  • un timer
  • una borsa dedicata

Via tutti gli automatismi!
Via l’autofocus! Via gli eventuali dispositivi per ridurre le vibrazioni!
Macchina in manuale! Ok, mi sa che la metà di voi ha abbandonato la lettura del post a questo punto, se ci siete ancora, andiamo avanti…

Dove andare?
Non serve andare tra le dune del Sahara o sulla catena dello Zanskar, ma è necessario lasciarsi aree urbane e questo comporta un po’ di pianificazione, ma basteranno un paio di scatti azzeccati a ricompensarvi.

Quando andare?
La scelta della notte è sicuramente uno degli aspetti meno prevedibili, in quanto legato al meteo – se pensate che quest’anno, durante il photo tour in Marocco, siamo incappati in una rarissima nottata nuvolosa (!).
Quello che invece potete determinare con precisione scientifica è invece l’importanza della luna nelle notti che sceglierete per scattare.
Durante le notti vicine al plenilunio, quando cioè il disco lunare assume le massime dimensioni, la luce della luna influisce negativamente sulla visibilità delle stelle, ma rischiara la scena con una luce molto morbida e affascinante.
Al contrario, nelle notti prossime al novilunio, la quasi totale assenza del disco lunare nel cielo, rende le stelle decisamente più visibili, ma dovrete prepararvi a lavorare praticamente al buio.
In ogni caso è bene fare un po’ di compiti a casa prima di trovarsi sul posto per evitare lunghe attese perché non avevate previsto che la luna fosse un ospite non gradito della vostra inquadratura.
Determinare fasi lunari, altezza sull’orizzonte e posizione nel cielo della luna ormai non è più roba per astronomi.
Ci sono app alla portata di tutti, che vanno dal semplice calcolo della fase lunare, riportato in qualsiasi punto del mondo, fino a fornire tutte le informazioni che vi possono servire, come ad esempio l’ora esatta in cui spunterà il satelline, l’altezza nel cielo, riportato nel corso della notte, il percorso, e altro ancora, oltre naturalmente alla possibilità di impostare località e date diverse.
Una tra tutte, TPE (The Photo Ephemeris).

Comporre e mettere a fuoco. Due piccoli incubi.
Comporre un’inquadratura al buio non è cosa da poco, così come mettere a fuoco con cura.
Se ne avete la possibilità, fate un sopralluogo di giorno, altrimenti il vostro unico alleato è una torcia.
Componete con cura e cercate di includere qualche elemento in primo piano. NON inquadrate soltanto una porzione di cielo.
Inserite degli alberi, il profilo di una montagna, di una casa… insomma, avete capito. Gli elementi in primo piano, staccati dal cielo, hanno la capacità di rendere lo scatto del cielo più interessante.
Mettere a fuoco può essere un problema. Aiutatevi con la torcia, puntandola contro un elemento sufficientemente lontano e mettete a fuoco su di lui – se usate, come consigliato, un grandangolo, dovreste cavarvela.

Per iniziare: stelle puntiformi
Anche se molti di voi saranno rimasti affascinati da tutti quegli scatti con le stelle che sembrano compiere dei giri luminosi, è bene che si proceda per piccoli passi.
Cominciate a scattare le stelle come puntini di luce.
Ecco qualche trucco.
Aprite al massimo. Chi può, f/2,8… altrimenti gli altri si tengano su f/3,5, f/4,5.
Occhio al tempo di posa. La terra ruota attorno al proprio asse e questo movimento rischia di riprodurre le stelle come piccole strisce anziché punti luminosi, se usate un tempo di posa troppo lungo.
Per cui affidatevi ad una regola vecchia, ma sempre valida: la regola del cinquecento.
Dividete 500 per la lunghezza focale dell’obiettivo che montate – ad es. se montate un 28, risolvete questa semplice operazione: 500/28. Il risultato è il tempo massimo che potete usare prima che le stelle appaiano mosse.
ATTENZIONE! La regola è pensata per fotocamere full frame, per i modelli APSC Nikon 500 si riduce a 333, mentre per i modelli APSC Canon 500 si trasforma in 316.
A questo punto avete la coppia tempo e diaframma, non resta che impostare gli ISO di conseguenza
Sparate gli ISO. Se avete tra le mani una buona macchina, in una notte senza luna, potete alzate gli ISO anche fino 3600. Se avete una macchina meno performante, tenetevi attorno ai 1250/1600 ISO. Sappiate però che pompando la sensibilità del sensore, le stelle guadagnano una certa consistenza.

Macchina saldamente agganciata al cavalletto e scatto remoto inserito, siete pronti a scattare.
Se possedete un software per gestire il formato RAW, preferitelo al JPEG, in caso contrario, avrete meno possibilità di recuperare gli errori o di intervenire. In questo caso, impostate il bilanciamento del bianco su 3600° K (o incandescenza, se la vostra macchina non offre la possibilità di impostare direttamente la scala Kelvin).

Non temete, torneremo ancora sull’argomento.

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Lontano dalle vacanze molti di noi hanno la pessima abitudine di riporre la macchina fotografica.
Ecco un post che risveglierà il fotografo assopito che c’è in noi, restando in città – e se invece non vivete in una metropoli, ecco un’occasione per uscire dalle zone a voi più familiari!

  1. CATTURIAMO IL TRAFFICO UMANO
    Le città sono soprattutto movimento. Le forme di movimento possono essere diverse e le troviamo ovunque. Impariamo a renderlo con la nostra macchina fotografica.
    Catturare il movimento significa rendere l’energia della città.
    Usiamo tempi lenti e lasciamo che gli elementi in movimento “striscino” il nostro frame, aiutiamoci con un cavalletto.
    Il nostro occhio – ma soprattutto il nostro cervello – non è abituato al traffico umano, per lo meno quando pensiamo al movimento siamo più inclini a farlo in riferimento ai veicoli, ecco perché scattare foto che catturano il movimento dei pedoni crea maggiore interesse.

    Cavelletto e flash ed ecco che riusciamo a combinare movimento e staticità nello stesso fotogramma.

    Cavalletto ed esposizione abbastanza lunga, pregando che i due soggetti sulla sinistra, restassero immobili per il tempo necessario da creare la dicotomia movimento/staticità

  2. ENFATIZIAMO IL MOVIMENTO
    Benvenuti nel regno del panning. Niente come il panning enfatizzare il movimento e rendercelo quasi tangibile in uno scatto.
    Scegliamo soggetti che transitano perpendicolarmente all’asse di ripresa, impostiamo un tempo sufficientemente lento, cominciamo a seguire il nostro soggetto con la macchina fotografica e, una volta che il soggetto raggiunge il centro dell’inquadratura, scattiamo. Ricordiamoci di continuare a seguire il soggetto con la macchina anche qualche secondo dopo aver scattato.

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    Lo sfondo in un panning è quasi fondamentale quanto il soggetto. Scegliamo uno sfondo che possa creare strisce omogenee e che non fagociti il soggetto

  3. LE MILLE STRISCE DELLA METROPOLI
    Facciamo in modo di restare fuori anche di sera, soprattutto appena dopo la blue hour serale.
    Usiamo un cavalletto e immortaliamo la magia del traffico che striscia la città di sera.
    Cavalletto e lunghe esposizioni faranno delle città una vera e propria tela astratta.
    In questo tipo di scatti, la composizione gioca un ruolo decisamente fondamentale, per cui, dedichiamole molta cura.
    Scegliamo angoli metropolitani che presentano un traffico caratterizzato da una certa continuità, per evitari buchi nelle nostra strisce colorate. Più è veloce il traffico che stiamo riprendendo e meno lunga sarà necessaria l’esposizione.

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    L’inquadratura e la composizione sono determinanti

  4. NUOVE PROSPETTIVA
    La città dal basso è tutto un altro mondo, così come la città dall’alto.
    Spingiamoci oltre il comodo altezza occhi. Proviamo a catturare gli edifici di tutti i giorni dal bordo del marciapiede, puntando al cielo, enfatizziamo il singolare angolo di ripresa impiegando focali brevi, un 14mm ad esempio.
    Una prospettiva diversa può trasformare un’immagine banale in un piccolo capolavoro, giocando con le geometrie degli elementi urbani.

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    Non che l’Arco della Pace a Milano sia un edificio banale, ma ritratto con questa angolazione esasperata genera uno scatto molto drammatico e per nulla canonico

  5. INSEGNE? PERCHE’ NO?
    La città vive anche di insegne, segnali, icone. Catturiamole, ci aiuteranno a descriverla e ad uscire un po’ dagli scatti urbani standard.

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    Insegne come grafismi. La città vive di insegne e le insegne offrono spesso materiale fotografico interessante

 

 

 

 

 

 

 

 

 

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Migliorare significa impegnarsi, non sedersi e non cedere al richiamo di quello che ci viene più semplice. Per migliorare serve grinta.

Migliorare significa impegnarsi, non sedersi e non cedere al richiamo di quello che ci viene più semplice. Per migliorare serve grinta.

Già immagino lo sguardo un po’ schifato degli snob, ma tiro dritto e me ne frego – come faccio di solito!
Già li sento… “Chi è ‘sto qui per dirmi come fare a diventare un fotografo migliore!?”
Beh, forse hanno ragione, però qualche consiglio provo a darlo comunque…

Anche se sono convinto che ognuno debba seguire la sua personalissima curva d’apprendimento, credo anche che ci possano essere piccoli accorgimenti che aiutino questa maledetta curva a diventare un filo più ripida.
Intendiamoci, non è oro colato quello che sto per scrivere e tutto quello che leggerete in questo post è opinabile o, male che va, poco efficace per dare una mano al vostro talento addormentato.
Sono altrettanto convinto però, che se butterete un po’ del vostro tempo a mettere in pratica qualcuno dei consigli che sto per  buttare giù, può darsi che qualche miglioramento lo ravvisiate davvero. Fatemi sapere, poi…

Tutto, naturalmente, è frutto dell’esperienza personale e del fatto che, in molte situazioni per così dire stagnanti, ci sono passato anch’io e spesso le ho superate così. Che dire, se non vi pare troppo, provate…

  1. USCIAMO A FOTOGRAFARE ANCHE COL BRUTTO TEMPO
    Non aspettiamo la bella stagione per spolverare la macchina fotografica. Non rimandiamo solo perché il meteo volge al peggio o perché si è alzato un po’ di vento o è scesa un po’ di nebbia.
    Usciamo! Usciamo lo stesso e abituiamoci a scattare anche quando le condizioni atmosferiche non sono esattamente quelle ottimali o quelle che ci aspettavamo.
    Impareremo ad aggirare l’ostacolo e a vedere nuove opportunità, anziché soltanto ostacoli.
    Bardiamoci e usciamo!
  2. USCIAMO A FOTOGRAFARE NELLE ORE SBAGLIATE
    Ok, l’ho ripetuto fino alla nausea… i panorami migliori si scattano attorno al tramonto e poco dopo (golden e blue hours), facciamo finta di dimenticarcelo e presentiamoci sul posto a mezzogiorno. Proviamo a cavare la proverbiale castagna dal fuoco nelle condizioni di illuminazioni peggiore. Forse saremo costretti a rivedere l’inquadratura, forse dovremo ingegnarci su come lasciar fuori tutto quel cielo slavato e insignificante… che lo si creda o no, ci servirà.
  3. OSCURIAMO IL DISPLAY
    Ritagliamo un pezzo di cartoncino nelle dimensioni del display posteriore della nostra reflex e, con del nastro adesivo, sistemiamolo in modo che non ci sia possibile vedere quello che abbiamo appena scattato.
    Può sembrare una sciocchezza, ma credetemi, molti di noi cominceranno a sentirsi in ansia e molto, molto, molto meno sicuri e bravi di quanto pensavano. Io stesso (per quello che può significare, of course…) l’ho fatto e credetemi, la sensazione è stata spiazzante – eppure ho fotografato quasi trent’anni in una condizione del tutto simile e la cosa mi sembrava assolutamente normale, che diamine!
    Beh, facciamolo! Oscuriamo il display e usciamo a fotografare. Sarà come fare un salto indietro nel tempo e saremo costretti a ragionare molto di più di quanto non siamo abituati a fare adesso, grazie alla rassicurante tecnologia.
    Ci faremo molte più domande e saranno quasi sempre le domande giuste… ho esposto correttamente? ho composto correttamente? c’è abbastanza profondità di campo? il tempo di posa è sufficiente per bloccare il soggetto?
    Una volta a casa, avremo tutte le risposte alle nostre domande e anche qualche risposta in più, credetemi, ma di sicuro, sarà stata un’uscita stimolante – anche se un filo frustrante, forse.
  4. DIAMOCI UN TEMPO LIMITE
    Altra variabile che crea una certa ansia: il tempo.
    E allora usiamola per metterci alla prova e migliorare. Anziché uscire e cazzeggiare, aspettando l’ispirazione o scattando in totale relax, fissiamo un tempo massimo, magari con un timer, e cerchiamo di stare in quel tempo.
    Ci servirà a concentrare le energie e a fare la punta allo sguardo, allenarlo a vedere e non soltanto a guardare, perché il tempo scorre molto più veloce quando scorre contro  di noi.
    Questo non significa che dobbiamo abituarci a scattare con fretta o a cottimo, ma ci aiuta a pretendere il massimo da noi stessi, quanto meno dal punto di vista fotografico, in una finestra di tempo fissa.
  5. DIAMOCI UN NUMERO LIMITE DI SCATTI
    Fingiamo di avere caricato un rullino anziché la card. Fingiamo che il tasto “Cancella” non esista e diamoci un numero massimo di scatti. Partiamo con 50, per esempio. Magari per le prime volte stiamo larghi, ma poi, proviamo ad uscire e darci come limite massimo di scatti, diciamo, 36 – che tanto mi ricorda i giorni della pellicola.
    Impariamo a non sprecare scatti, impariamo a stare nel numero minore di scatti, ci aiuterà ad essere più attenti, più selettivi, più accurati sia nel scegliere i nostri soggetti, sia nel scegliere le inquadrature e la composizione, oltre che a valutare l’esposizione corretta per l’effetto voluto – ogni tentativo di avvicinamento ci costerà uno scatto e avere a che fare con un numero limite di scatti sarà soltanto fieno in cascina, per così dire.

Se non avessi deciso di stilare un elenco di cinque punti, ne aggiungerei un sesto dedicato alla post-produzione, e direi, più o meno, limitiamo gli interventi di post-produzione al minimo e cerchiamo di ottenere lo scatto in macchina, ma ormai avevo deciso per cinque punti e quindi… quindi, bene così.

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Ladakh

Un buon paesaggio è questione di meteo favorevole, composizione curata e ora del giorno corretta

Se c’è un genere di fotografia che induce al paragone con gli scatti di altri fotografi, quella è senza dubbio la fotografia di paesaggio.
Diciamoci la verità, quanto è frustrante per ognuno di noi guardare il lavoro di un altro fotografo, scattato dal nostro medesimo punto e magari con la medesima inquadratura e con la medesima focale ed essere costretti ad ammettere che non c’è proprio paragone e che il nostro paesaggio non regge il confronto con la foto dell’altro.
Ed ecco che diamo fondo al baule delle scuse per cercare di difendere il nostro paesaggio… e tiriamo in ballo sfortuna, cattivo meteo, attrezzatura ancora poco conosciuta, post-produzione sbagliata, e blah, blah, blah, blah.
Ma c’è un trucco per migliorare la nostra fotografia di paesaggio e arriva molto prima di Photoshop e addirittura ancora prima di premere il pulsante di scatto, si chiama pianificazione.

E’ infatti attraverso una chiara pianificazione che gettiamo le basi per paesaggi memorabili.

Questo post è chiaramente dedicato a tutti coloro che si sono avvicinati da poco alla fotografia di paesaggio, ma può essere un  ripasso anche per coloro che si sentono più capaci.

Ecco 5 consigli che ci possono aiutare a fare un buon lavoro, ovviamente poi, una volta sul posto, l’attenta pianificazione dovrà essere sostituita da una certa sensibilità. un discreto talento, la conoscenza della tecnica e l’attrezzatura adatta… ma questo è tutto un altro discorso.

Se impareremo a pianificare con cura i nostri scatti di paesaggio, aumenteremo significativamente le nostre probabilità di successo.

  1. CONTROLLIAMO IL METEO
    La fotografia di paesaggio è sicuramente uno dei generi più difficili da prevedere: NON ABBIAMO NESSUN CONTROLLO SULLE CONDIZIONI METEOROLOGICHE della scena.
    Molto spesso partiamo da casa con un’idea precisa di atmosfera da riprodurre nello scatto e, una volta giunti sul posto, troviamo una condizione meteo completamente diversa.
    Prima di saltare in macchina e guidare per ore, controlliamo le previsioni meteo, se non altro, ci risparmieranno un viaggio a vuoto o tanta fastidiosa frustrazione.
    A volte però le bizze del meteo possono trasformarsi in scatti unici.

    Un'improvvisa tempesta di sabbia ha influito su questo scatto.

    Un’improvvisa tempesta di sabbia ha influito su questo scatto.

  2. SCEGLIAMO L’ORA MIGLIORE DELLA GIORNATA
    Luogo e meteo perfetti non ci salveranno dal disastro se ci presentiamo sul posto all’ora del giorno sbagliata.
    Nelle foto di paesaggio, la luce è  data dal sole (!). Le caratteristiche della luce del sole, e cioè la sua direzione, il calore, l’intensità e la qualità, sono date dalla posizione che il sole stesso occupa nel cielo, nel corso della giornata.
    E, a differenza del meteo, questo è un dettaglio decisamente più facile da prevedere.
    Facciamo in modo di essere sul posto quando il sole è nella posizione ideale per lo scatto che intendiamo portarci a casa.
    Tendenzialmente, a meno che non si tratti di paesaggi molto particolari – ad es. deserti – o di atmosfere molto precise, POSSIAMO TRANQUILLAMENTE EVITARE LE ORE CENTRALI DELLA GIORNATA.
    In queste ore, il cielo di solito risulta slavato e il sole a picco produce ombre corte e secche.
    I due momenti migliori per dedicarsi alla fotografia di paesaggio sono l’alba e il tramonto.
    La letteratura fotografica ama definire questi due momenti con i termini  blue hourgolden hour. La blue hour è quel periodo di tempo, di circa una mezzora, che precede l’alba al mattino e che segue il tramonto alla sera, durante il quale il cielo si presenta con un intenso color blu. La golden hour  – detta anche magic hour – è invece il momento della giornata subito dopo l’alba e che precede il tramonto, dove la dominante della luce è molto calda (rossa e arancio).
    E’ durante questi due momenti della giornata che i paesaggi offrono il massimo dal punto di vista fotografico.
    Esistono svariati modi per conoscere, addirittura con una precisione imbarazzante, il succedersi delle blue hour e delle golden hour. Il più rustico è sicuramente quello di leggere sul giornale ora di alba e tramonto. La blue hour del mattino inizierà circa trenta minuti prima del sorgere del sole e quella della sera inizierà qualche minuto dopo il tramonto e si protrarrà per circa una trentina di minuti. Così come la golden hour del mattino avrà inizio subito dopo l’alba e durerà circa una mezzora, mentre quella della sera comincerà una trentina di minuti prima del tramonto.
    Numerosissime app consentono di conoscere con estrema precisione inizio e fine di questi momenti della giornata, addirittura offrendo la possibilità di scegliere località e giorni diversi – può sembrare una velleità, ma torna molto utile se state pianificando viaggi e scatti nel tempo.
    E visto che dipendiamo dalla posizione che il sole occupa nel cielo della nostra scena, la qualità della luce varierà anche a seconda della stagione.

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    La luce calda dei minuti successivi all’alba e le brume invernali che si alzano dai campi. Ora del giorno e periodo dell’anno.

  3. FAMILIARIZZIAMO CON IL POSTO
    La prima tentazione è quesi sempre quella di presentarsi sul posto e scattare.  Non c’è nulla di male nel farlo, ma personalmente credo che prendersi un po’ di tempo per guardarsi in giro sia un’ottima maniera per portarsi a casa scatti memorabili. Ogni volta che ci si presenta l’occasione, cerchiamo di familiarizzare con la scena che abbiamo deciso di fotografare e quello che le sta attorno. Questo significa investire un po’ di tempo, magari presentarsi sul luogo con un certo anticipo, o magari recandosi sul posto nelle ore centrali del giorno, giusto per fare un piccolo sopralluogo, servendosi di uno smartphone e di un po’ di immaginazione.
    Conoscere la zona ci aiuta sempre. Ci aiuta a valutare le inquadrature migliori, ci aiuta a pensare ad inquadrature alternative. Ci aiuta a valutare possibili ostacoli fisici presenti sulla scena. Insomma, un sopralluogo prima dello scatto ci evita brutte sorprese.
  4. FACCIAMOCI TROVARE PRONTI
    Golden hour e blue hour non durano più di una mezzora e quasi sempre la luce migliore si concentra in appena una decina di minuti. DOBBIAMO ESSERE PRONTI quando questo accade! Ciò significa muoverci per tempo e arrivare sul posto con un certo anticipo, avere la macchina ben piazzata sul cavalletto e in testa l’idea precisa di quello che vogliamo ottenere.
    Controlliamo l’attrezzatura, scattiamo qualche test per verificare l’efficacia della composizione e magari proviamo anche una focale alternativa.
  5. FACCIAMO ATTENZIONE ALLE LOCALITA’ AFFOLLATE.
    Alcune località iconiche, in alcuni particolari momenti dell’anno, possono risultare decisamente affollate, e non sto riferendomi ad eventuali turisti, ma fotografi che, proprio come noi, sono lì per portarsi a casa lo scatto.
    Questo è un dettaglio da tenere in considerazione, perché a volte ci potrà capitare di condividere il luogo prescelto  con una cinquantina di altri fotografi e, in quei casi, piazzare il nostro cavalletto a volte potrebbe non essere una cosa così semplice.
    In questi casi è importante  ARRIVARE CON UN CERTO ANTICIPO, in modo da non dover soccombere all’affollamento di cavalletti e corpi.
    Ricordiamoci poi di MUOVERCI CON CAUTELA, evitiamo di impallare le inquadrature degli altri fotografi, facciamo attenzione a non urtare i cavalletti degli altri.  Può sembrare un consiglio banale, ma, quando il luogo è particolarmente affollato e l’ansia da prestazione sale, spesso ci si dimentica di quello che ci sta attorno e si sottovalutano le esigenze degli altri.

 

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Alzi la mano chi di voi è immune al fascino del bianco e nero.
Ok, giù le mani, tanto non riesco a vederle, anche se mi viene da dire, con una certa tranquillità che non dovevano essere poi così tante – ih ih ih…

Se c’è una cosa che la rivoluzione digitale della fotografia non ha spazzato è proprio il fascino di uno scatto in bianco e nero, a patto che si tratti di un buono scatto, naturalmente. Anzi, mi viene da dire che, proprio l’essersi affrancati dalla pellicola, rende l’avvicinarsi alla fotografia in bianco e nero meno arduo e un filo più alla portata di tutti, anche di chi non ha molta esperienza ancora.

Ecco un quasi decalogo di consigli prêt-à-porter  per avvicinarsi al magico mondo della fotografia in bianco e nero. Metto avanti le mani: non vi trasformeranno nel nuovo Ansel Adams, ma, almeno spero, vi indicheranno una via per cominciare.
Chi mai comincia, mai migliora. Certo, diventare bravi dipenderà da voi e dalla vostra voglia di fare esperienza e di incassare le frustrazioni e di trasformarle in lezioni.

  1. SCATTATE A COLORI
    Sembra un controsenso, non lo è!
    Scattate sempre a colori, anche quando state pensando ad una fotografia in bianco e nero. Scattando a colori, il sensore catturerà la scena al massimo della sua capacità in termini di possibilità cromatiche, impiegando i tre canali RGB… e tre è meglio di uno!
    Penserete successivamente a trasformare i vostri scatti a colori in fotografie in bianco e nero, utilizzando un programma di editing (Photoshop, Photo Elements o altro).
    E se una volta convertito lo scatto, vi accorgerete che, tutto sommato, non era poi quel capolavoro che pensavate fosse, potrete sempre contare sulla versione full colour.13173130_1454231087926886_1962809571931629478_o
  2. CERCATE I CONTRASTI
    Solitamente scene ad alto contrasto funzionano meglio, una volta convertite in bianco e nero, di scene morbide.
    Addirittura la luce del sole a picco, nemico numero uno del Bravo Fotografo, può produrre una buona fotografia in bianco e nero.
    Privilegiate i contrasti. Ombra vs. luce, bianco vs. nero. Almeno per iniziare.20140512-224810.jpg
  3. COMPONETE CON CURA
    Più del solito, la composizione diventa uno dei vostri migliori alleati.
    Una scena che poi godrà di una gamma di colori ridotta – dal bianco al nero, passando per tutte le sfumature di grigio, ma soltanto quelle… – funziona se poggia su una composizione solida.
    Prendetevi tutto il tempo che serve e componete con cura, i vostri scatti vi ringrazieranno!13139106_1454230141260314_9015303993712455407_n
  4. LESS IS MORE… ANZI, È MEGLIO!
    Già, non solo “meno è di più”, ma è anche meglio, molto meglio.
    Mantenete le vostre scene semplici. Soprattutto all’inizio, l’approccio minimalistico paga. Cercate scene con pochi elementi, dove il punto focale non è costretto a competere con altri elementi. Componete l’inquadratura con cura e molta parte del lavoro sarà fatto.
    Semplificate, semplificate, semplificate!cala1
  5. CERCATE PATTERN E GRAFISMI
    Allenate l’occhio a vedere forme interessanti, ripetizioni di pattern, ripetizione di elementi, giochi di linee, giochi di pieno  vuoto.
    La fotografia in bianco e nero si presta moltissimo ad un’approccio più astratto.
    Senza la distrazione del colore, l’occhio di chi guarda saprà apprezzare molto di più i grafismi, per cui, esercitatevi e imparate a scovarli nel mondo reale – sono ovunque!14310572_1573933585956635_33108490169301187_o
  6. SEPARATE IL SOGGETTO DALLO SFONDO
    Fate sempre in modo che il vostro soggetto principale non si confonda con lo sfondo.
    Se pensate che si tratti soltanto di una questione di illuminazione, avete ragione… ma soltanto a metà.
    Certi colori, ad esempio verde e rosso, che nella realtà offrono quasi sempre un buon contrasto, una volta trasformati in toni di grigio, tendono ad assomigliarsi molto e, ad esempio, un fiore rosso su uno sfondo verde, potrebbe produrre una foto in bianco e nero piuttosto piatta.
    Con un po’ di pratica, imparerete a vedere prima se certe combinazioni cromatiche funzioneranno poi anche una volta trasformate in toni di grigio.
    Controllate sempre anche con cura la profondità di campocontrejour4_bn
  7. LA NOIA DEI CIELI TERSI
    Se, in una foto a colori, un cielo sgombro da nuvole potrebbe – e dico potrebbe – ancora funzionare, di certo in bianco e nero risulterebbe terribilmente noioso, eccezion fatta in qualche rara occasione, dove però una composizione sublime o un soggetto potente hanno saputo correre in aiuto e scongiurare la noia fotografica.
    Ad ogni modo, cercate, almeno all’inizio, di stare alla larga dai bei cieli blu.
    Anzi, non appena il cielo si copre di nuvoloni, non appena il meteo minaccia temporali o tempeste, uscite a fare pratica di bianco e nero!
  8. EVVIVA LA LUCE RADENTE
    La luce radente – che cioè illumina di lato la scena o il soggetto principale – è un potentissimo alleato della fotografia in bianco e nero.
    La luce radente esalta la materia, ne enfatizza le texture e si traduce, quasi sempre, in buoni scatti monocromatici.

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Ci siamo! Finalmente si parte! Come cantava qualcuno, “le ferie d’agosto”…  e per molti di noi, le ferie d’agosto, sono l’occasione principe per scattare foto,  per dedicare finalmente un po’ più di tempo alla fotografia.

Cosa mi porto!?
La domanda è quanto mai calzante. Già, cosa mi porto in vacanza per esser certo di divertirmi a far foto – perché, non dimentichiamocelo, a meno che per noi non sia un lavoro, fotografare DEVE essere soprattutto sinonimo di divertimento, di piacere.

Come spesso accade, più le domande sono semplici, e meno le risposte sono facili ed univoche… e questa è una di quelle domande!

Non esiste un kit ideale per tutti e per tutte le situazioni. Questo l’ho imparato quasi subito ed ecco allora che provo ad elencare qualche possibile soluzione.

Fotografo Ultra Light
Il suo obiettivo è la praticità, sempre e comunque, e “viaggiare leggeri” è molto di più di un  approccio, è un diktat, è una filosofia di vita.
Per lui UN CORPO MACCHINA E UN SOLO OBIETTIVO. Il purista si porta un 50mm, ma sa già prima di partire, che qualcosa andrà sacrificato.
Il mio consiglio è semplice: COMPRATEVI ALMENO UNO DI QUEGLI ZOOM CHE COPRONO DAI 24 AI 200 mm. Sacrificherete molto meno e salverete comunque il peso.
Se non è chiedervi troppo, investite almeno in una di quelle custodie dedicate: la sicurezza della vostra attrezzatura è comunque un dettaglio fondamentale, anche per il fotografo peso piuma.

 

 

Fotografo da strada
Fosse per lui, vivrebbe per strada con la sua macchina incollata all’occhio.
Incarna l’anima spartana e verace dei fotografi. Vuole scattare in qualsiasi condizione di luce, volti, dettagli, scena quotidiane.
La sua versione purista gli imporrebbe di dotarsi di un 50mm f.1.4 e di scarpe comode.

Va bene anche qualcosa di più moderno, naturalmente!

Io gli concedo una scelta un filo più ampia, per lo meno per ciò che riguarda le ottiche.
Fisse o zoom, gli consiglio almeno due focali, con le quali alternare gli scatti: un grandangolo e una lente normale oppure una lente normale e un medio tele.
Scegliendo ottiche fisse avrete una qualità superiore e diaframmi più spinti – ideali per scattare in condizioni di luce scarsa, ma a fronte di un investimento economico maggiore.
Scegliendo invece due zoom, potrete usufruire di tutte le alternative intermedie  tra la focale minore e la focale maggiore, risparmiando qualche euro, ma sacrificando un po’ di qualità e di velocità.
La borsa ideale del fotografo da strada è la monospalla (detta anche “slingshot”), che consente di accedere all’attrezzatura semplicemente facendola scivolare sul davanti. Sono borse compatte, leggere, ma piuttosto capienti.
Consiglio inoltre un grip con seconda batteria da montare sul corpo macchina, per evitare di restare a secco sul più bello, ma anche per agevolare gli scatti verticali.

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Le “slingshot bags” sono molto comode, ma l’attrezzatura deve essere sempre in versione “minimal”

Fotografo Quattro Stagioni

È la mia personalissima evoluzione del profilo precedente.
Siete dei Quattro Stagioni se vi piacciono i ritratti, ma amate anche gli scatti panoramici, se cercate le scene da strada, ma i dettagli per voi hanno un sapore particolare…
In questo caso – che poi è un po’ il mio – la questione si complica.
Il Quattro Stagioni sente la necessità di coprire tutte le focali da 12mm ad almeno 200mm. Si tratta proprio di un bisogno primordiale, per lui! Non vuole sacrificare nulla, non un panorama, non un volto, non un dettaglio, non un campo largo.
Quale soluzione? Ce ne sono alcune.
La prima potrebbe essere quella di dotarsi di uno di quei super zoom 18-200 (Tamron addirittura produce un 18-300 con attacco Canon e Nikon!). Di sicuro è la soluzione più compatta. Dal punto di vista della qualità… beh, qualche concessione la dobbiamo fare.
Chi invece non vuole rinunciare alla qualità è allora costretto ad acquistare tre lenti zoom, una che copra le focali tra 12 e 24mm, una che vada dai 24 ai 70mm e una che lo porti agevolmente attorno ai 200mm. Se siete fanatici della qualità, ma soprattutto ricchi, potete regalarvi un set di ottiche zoom professionali f.28, vi assicuro che fanno il loro sporco lavoro, ma hanno un piccolo difettuccio: vi piallano il conto corrente (!).
In commercio si trovano anche zoom da step intermedi, ad esempio un 18-120mm e un 70-300mm e, parafrasando la pubblicità, tu zoom is mei che tri.
Ma il Quattro Stagioni DOCG  non accetta di fermarsi di fronte a nulla ed ecco che il kit si completa di un flash a slitta, che, il Quattro Stagioni Maniaco, completa con radiocomandi vari e un modificatore – consiglio il piccolo bank ripiegabile della Lumiquest.

Softbox - l'accessorio principe per ottenere una luce più morbida dal nostro flash

Softbox – l’accessorio principe per ottenere una luce più morbida dal nostro flash

Se vi portate un flash a slitta, non dimenticate le batterie di ricambio – pena è restare a secco sul più bello – sia per il flash, sia per gli eventuali comandi remoti e magari regalatevi un kit di gelatine colorate per deliziare la vostra creatività di strobist.
Va da sé che il  suo kit preveda un grip con seconda batteria.
La versione Outdoor del Quattro Stagioni lo vuole munito anche di cavalletto (magari con testa staccabile) e di scatto remoto o, meglio ancora, di un intervallometro. Con questi due accessori nulla potrà più fermare il vero e unico Quattro Stagioni.
Ovviamente un simile kit necessita di una borsa all’altezza e io consiglio uno zaino con scomparti imbottiti e riposizionabili secondo le esigenze. Non lesinate sulla qualità degli zaini! Löwepro, Manfrotto e Tamrac hanno sicuramente il modello che fa per voi e controllate sempre che sia possibile imbarcarlo con voi in aereo e che preveda l’aggancio per un eventuale cavalletto, controllate la comodità degli spallacci, la presenza di cinghie all’altezza del pettorali e del bacino, per distribuire meglio il peso. Assicuratevi che le cerniere siano nastrate ed impermeabili e, già che ci siete, verificate che ci sia anche il dispositivo antipioggia. La mia esperienza dice che una borsa che costa davvero poco, dura davvero poco. Purtroppo non sempre vale il contrario (!).

borsa

Comoda, resistente, impermeabile, ma soprattutto capiente il giusto (meglio uno “zic” in più, che in meno!

 

Fotografo Canaletto
È un vedutista del Settecento, ma ha la sfortuna di essere nato tre secoli dopo. I suoi miti sono Canaletto, i Fiamminghi e Ansel Adams.
La fotografia, per Canaletto, è paesaggio!
Non può fare a meno di un buon grandangolo, ma per schiacciare le prospettive si affida spesso ad un tele. Le focali di mezzo lo convincono poco, ma se proprio deve, monta un 70mm.
Non esce mai senza il suo kit di filtri digradanti e ND e ne vanta dozzine.
Il Canaletto Ricco possiede solo filtri della Lee Filters – un set da tre filtri Lee, con anello adattatore e sistema di aggancio, si aggira attorno ai 300 euro! I
l Canaletto In Spending Review si accontenta di marche meno nobili, come Cokin o Marum.
Se sui filtri potreste anche glissare – ho scritto “potreste”, attenzione. Non potete invece fare a meno di un buon cavalletto, se la vostra passione sono i paesaggi.
Sceglietelo alto almeno un metro e cinquanta, possibilmente di quelli che permettono di montare teste diverse, in modo che possiate scegliere quella che meglio si adatta alle vostre esigenze. Sceglietelo leggero, ma solido. Testatene la solidità (in negozio) montando una macchina simile alla vostra per peso e ingombro ed estendendo al massimo gambe e colonna centrale. Considerate le dimensioni del cavalletto, sia nel suo massimo splendore, sia completamente richiuso. I cavalletti con gambe a quattro sezioni diventano davvero molto piccoli, ma offrono meno stabilità dei cugini a tre sezioni. Valutate con cura, peso ed ingombro: ve lo dovrete scorrazzare tutto il santo giorno, tutti i giorni.
Carbonio, fibra di magnesio, basalto… sono solo alcuni dei materiali all’avanguardia con cui vengono prodotti i cavalletti di fascia alta. Di sicuro offrono il massimo rapporto peso/stabilità,  ma non ho ancora trovato dove li regalino…

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Uno scatto remoto va a completare l’attrezzatura, meglio se in grado di svolgere le funzioni di un intervallometro.
Pensate anche a guaine e coperture impermeabili per macchina e obiettivi, perché potrebbe capitare di trovarvi a scattare nel bel mezzo di un acquazzone!

OK, mi fermo qui…  ce ne sarebbero molti altri di profili, con buona probabilità, ma forse entrerei troppo nello specifico – ad esempio mi viene in mente il Naturista, per non parlare della sua deriva estrema, il Fotografo Safari.
La maggior parte di noi, però, immagino ricada in una delle categorie di base che ho buttato lì.

Che siate gli uni o che siate gli altri, per tutti ci sono accessori che non si possono lasciare a casa: caricabatterie da rete (ma anche versioni che possano caricare attraverso l’accendisigari di una macchina o la presa USB), card varie, cavi vari, batterie di scorta, panni in microfibra per pulire le lenti, guaine e coperture antipioggia per zaini e borse (nel caso il modello scelto non lo abbia già in dotazione).
Potrei essermi dimenticato qualche cosa… non vogliatemene.
Voi cercate di non dimenticare che quello che facciamo, quando fotografiamo, deve essere soprattutto divertimento, ma che il divertimento è una cosa seria.

Buone vacanze!

 

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