Fotografia Facile

Il colore rappresenta uno degli elementi principali di una foto (… a colori, naturalmente!).
Molti di noi, soprattutto coloro che si sono avvicinati alla fotografia da poco, faticano a vedere il colore come un elemento di composizione.
C’è un esercizio, “Comporre con il colore”, che facciamo durante i miei workshop dedicati alla composizione fotografica e ogni volta quest’esercizio mette in grave difficoltà i partecipanti…

Il colore ha una forte componente emotiva e pochi elementi sono in grado di trasmettere una sensazione come il colore.
Per cui è arrivato il momento di spendere qualche minuto e di provare a capire come migliorare la nostra fotografia attraverso un uso consapevole del colore.

Le combinazioni di colori contrastanti offrono immagini vibranti, mentre colori simili danno u senso di armonia maggiore. Questo andava detto… vediamo ora invece di concentrarci su un impiego diverso del colore, proviamo a scattare immagini che hanno un colore predominante. Si tratta di un ottimo esercizio e ci aiuterà a migliorare.

Il primo trucco per comporre una fotografia limitando i colori e sottolineando un colore predominante è quello di inquadrare in modo molto curato, limitando la scena, magari, a pochi dettagli.
Montiamo dunque l’ottica più spinta che abbiamo e usciamo a catturare i nostri dettagli…
Guardiamoci attorno e impariamo ad isolare i nostri soggetti, sia dal punto di vista dell’inquadratura, sia dal punto di vista della profondità di campo – che preferibilmente dovrà essere ridotta. A volte, scattando un soggetto chiaro su fondo scuro, ci converrà sottoesporre un po’, questo ci aiuterà a scurire ulteriormente il fondo e faccia risultare il colore del soggetto, saturandolo.

Scattare silhouette è un altro buon trucco per utilizzare un colore predominante in uno scatto.

Ecco invece un esempio di scatto con un colore predominante. Il bianco degli abiti dell’uomo, ritratto a passeggio nel colonnato del Taj Mahal, risalta in modo incredibile sul rosa salmone delle colonne stesse. La tecnica del panning, che ha sfocato lo sfondo, ha fatto il resto.

Ed ecco un altro scatto che usa – tra le varie tecniche di composizione – “il colore predominante”. Naturalmente, la scelta di un’inquadratura selettiva ha fatto il resto.

Non credo servano troppe parole per spiegare lo scatto qui sotto…

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L’alba nel Sahara. Silhouette

Albe e tramonti, per il fotografo amatoriale, sono paragonabili alle sirene di Ulisse, il loro richiamo è ipnotico.
Troppo spesso però molti di noi affrontano il sole sull’orizzonte con poca esperienza e allora ecco qualche rapido consiglio per sfangarla e portarsi a casa scatti di qualità

1. Dove leggere la luce
   Ecco il più grande dilemma del fotografo alle prime armi di fronte ad un tramonto.
   In effetti è il primo nodo da sbrogliare.
   Il cielo illuminato dal sole inganna l’esposimetro della nostra macchina fotografica, soprattutto se poi nella scena inquadriamo anche il disco solare.
   La macchina è portata a sottoesporre e questo è il motivo per il quale molti principianti tornano a casa con un numero imbarazzante di silhouette che si stagliano contro un cielo decisamente troppo scuro.
   Il cielo e il sole sgambettano l’esposimetro che ci suggerisce una   coppia tempo/diaframma di gran lunga più chiusa di quello che servirebbe. Questo fa perdere di definizione il cielo e trasforma in silhouette qualsiasi oggetto in primo piano – questo quando ci va bene, perché nei casi più sfortunati, gli elementi in primo piano
   vengono irrimediabilmente fusi in una pesante macchia nera.
   E quindi!?
   Quindi possiamo leggere la luce in una porzione di cielo lontana dal sole, bloccare l’esposizione, e poi ricomporre l’inquadratura; oppure compensare in positivo il suggerimento del nostro esposimetro, sovraesponendo di 1 o 2 stop.
   Diamo un occhio anche agli istogrammi, così eviteremo di bruciare in modo troppo pesante  le zone in luce.
2. Come ottenere quel bel colore arancio
   Con un bilanciamento del bianco un po’ creativo.
   Se scattiamo in RAW, possiamo anche non preoccuparcene sul posto e aggiustare il bilanciamento successivamente, quando sviluppiamo il negativo digitale.
   Se invece scattiamo in JPEG, ci conviene impostare il bilanciamento del bianco prima di scattare.
   Il mio consiglio è quello di scegliere un bilanciamento adatto a compensare una luce fredda.
   Se il nostro modello di macchina ce lo consente, entriamo nel menù del bilanciamento del bianco, cerchiamo l’opzione che ci permette di scegliere direttamente la temperatura del colore e impostiamo un valore tra i 7000 e gli 11ooo gradi Kelvin.
   Se invece la nostra reflex non prevede la possibilità di scegliere direttamente la temperatura, impostiamo il bilanciamento su “ombra” – non sarà il non plus ultra, ma una differenza la vedremo di sicuro.
   L’impostazione “ombra” del bilanciamento del bianco della nostra macchina è
   pensata per contrastare la dominante bluastra (fredda) tipica dell’ombra aumentando i toni caldi (arancioni e gialli). Siccome la luce del tramonto o dell’alba è già piuttosto calda di suo, impostando “ombra”, o scegliendo i Kelvin tra i 7000° e gli 11ooo°, andiamo a scaldare ulteriormente la nostra scena.
   

   La luce calda dell’alba umbra di metà autunno (più un piccolo aiutino con il bilanciamento del bianco)

3. Componiamo con intelligenza e cura
   Il fatto che un’alba sia un momento particolare (soprattutto perché ci ha costretti fuori dal letto ad ore inusitate) o il fatto che un tramonto solletichi l’emotività, non ci autorizza a dimenticare che la fotografia – quella buona – si poggia su una composizione curata.
   Se EVITIAMO di sistemare l’orizzonte esattamente a metà inquadratura, facciamo un passo avanti nella direzione giusta che porta a scattare foto più interessanti.
   La scelta della focale è appannaggio del nostro gusto e del linguaggio fotografico che abbiamo deciso di usare.
   Un grandangolo abbraccia una scena molto ampia e garantisce tramonti e albe  dal sapore più tradizionale.
   Un tele, invece, schiacciando la prospettiva e inquadrando una porzione di scene piuttosto ridotta, è in grado di rendere il disco del sole molto importante. Se scegliamo di scattare con un tele, cerchiamo sempre un elemento in primo piano (un edificio, una persona, una statua, ecc.) da impiegare come guida verso il soggetto principale: il sole.
4. Il sole può anche restare fuori inquadratura
   Non è sempre necessario inquadrare il sole nello scatto di un tramonto o di un’alba. Spesso le fotografia di tramonti e albe più evocative sono quelle che non presentano il sole direttamente, ma lasciano campo ai colori del cielo (meglio se velato da qualche nuvola).
   Nel caso avessimo deciso di lasciare in panchina il sole, sarà necessario mandare in campo elementi forti, fortemente evocativi e in grado di reggere la scena, ad esempio un pontile, magari con dei pescatori che fanno ritorno a casa, o la silhouette di un edificio, meglio se il suo profilo è in qualche modo riconoscibile – non è necessario scattare il Taj Mahal o il Colosseo, ma dobbiamo ricordarci sempre che la silhouette propone il semplice contorno dell’edificio e chi guarda deve comprendere con una certa semplicità cosa abbiamo scattato, se il campanile di una chiesa di montagna o un uomo di spalle che contempla l’orizzonte.
   Le silhouette funzionano molto bene se il loro profilo è riconoscibile, altrimenti non saranno altro che una macchia scura su un cielo al tramonto (!).
5. Dannato flare. Amato flare.
   Puntano l’obiettivo direttamente contro il sole, può capitare che si verifichi l’effetto flare, una serie di aberrazioni, più o meno circolari, dovute alla luce che si rifrange irregolarmente attraverso le lenti presenti nel barilotto dell’obiettivo.
   Non sempre il flare è un effetto da evitare, spesso anzi diventa un ottimo elemento emotivo.
   Se vogliamo evitare il fare: puliamo con cura la lente del nostro obiettivo e gli eventuali filtri che montiamo davanti alla lente, privilegiamo obiettivi fissi – hanno meno lenti al loro interno, usiamo il paraluce, modifichiamo leggermente l’inquadratura, bastano pochi gradi di differenza per, se non evitare, quanto meno contenere l’effetto flare.
   Se invece cerchiamo il flare come tocco creativo, basterà non osservare nessuno dei consiglio di cui sopra… possiamo anche aggiungere un ulteriore filtro o addirittura montare vecchi obiettivi, di quelli con ancora le lenti senza rivestimento – per intenderci lenti non coated.

Nulla più, però, aiuta a migliorarsi della pratica. Per cui, fuori a scattare!

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Scatto rubato dall’auto -inquadratura inclinata e taglio della testa conferiscono dinamismo alla foto

“Tagliare o non tagliare (le teste), questo è il dilemma.”

Appunto, questo è il dilemma che affligge il fotografo alle prime armi in relazione ad un ritratto.
Be’, la regola canonica recita “MAI TAGLIARE LE TESTE!”, ma appunto si tratta di regola canonica e nessuno ci impone di seguirla ogni qualvolta siamo alle prese con un ritratto.

Fondamentalmente esistono tre tipologie di ritratto:

• a figura intera
• piano americano – dove il taglio è a metà coscia,
• mezzo busto
• testa/spalle.

In nessuno dei casi la regola prevede il taglio della testa, perché tale decisione renderebbe – a seconda dei tromboni delle fotografia – “l’immagine poco naturale”.
Passi.

Personalmente posso anche essere d’accordo per le prime tre tipologie di ritratto, dove una testa mozza potrebbe – dico “potrebbe” – produrre un risultato poco gradevole, ma nei ritratti più ravvicinati, sono un cultore del taglio della testa.

Quando il vostro ritratto è TUTTO CONCENTRATO SUL VOLTO, allora (non so bene insignito di quale autorità…) mi sento di dire che potete anche sovvertire la regoletta e tagliare le teste.

Il bello del nostro cervello  è che è in grado di decodificare comunque anche immagini parziali di completarle inconsciamente, traendo anzi un piacere implicito in questo gioco psicologico di “completa la forma”.

Ed è proprio grazie a questa forma di complicità tra soggetto ritratto (con testa mozza) e pubblico che guarda che la foto diventa immediatamente quasi più interessante.
Quando tagliamo, suggeriamo e suggerire implica un ingaggio ludico e psicologico inconscio con chi guarda e la risoluzione di questo comporta piacere.

Lasciate che sia l’occhio di chi guarda a completare la parte superiore della testa di Deepak

Tagliate cum grano salis. Usate il buon senso, non ammazzate il soggetto tagliandogli la testa all’altezza degli occhi o a metà naso, a meno che il linguaggio fotografico che state utillizzando non lo preveda, ma suggerite quanto più spesso vi sia  permesso.

Tagli un po’ azzardati producono ritratti meno formale,  conferendo dinamismo alla fotogo e portando chi guarda dentro lo scatto, non abusatene però.

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